9月23日，“舞台服装·舞台化装的创作实践与教学改革”研讨会于中央戏剧学院伸出式剧场举行，由中央戏剧学院舞台美术系教师崔晓东担任学术主持。本次论坛聚焦服装与化装设计在当代戏剧影视创作中的实践路径与教学创新，邀请多位行业领军人物与教育专家，围绕艺术风格构建、人工智能挑战、传统文化转化等关键议题展开深度交流与探讨。

崔晓东

中央戏剧学院舞台美术系教师，国际舞台美术联盟ISTAN会员，中国化妆技术学会副主任，北京舞蹈学院客座教授，中国舞台美术学会会员

作为本场论坛的学术主持，崔晓东始终强调艺术创作中“人的主体性”原则。无论技术如何发展创新，创作者扎实的基本功、独立的观察力与深刻的美学判断力才是核心竞争力。具体到舞台服装创作领域，他主张“守正”是“创新”的基石，强调必须将传统文化“真正吃透”，而非进行符号搬运，在此坚实基础之上的有目的加减法，才能产生立得住的实质性作品，而非流于表面的“文化垃圾”。这一观点与他辩证看待新技术——主张AI应为创意服务而非主导、反对僵化风格标签、提倡基于叙事需求的“一戏一格”创作观一脉相承。

在人才培养这一重要议题上，他认为教育必须坚守人文素养与基本功训练，重视完整人格的养成，这样才能够在信息时代，保护和发展设计师的内在创造力与跨学科自学能力，最终驾驭技术，而非被其吞噬个性与审美。

陈同勋

电影造型设计

陈同勋在发言中指出，影视与舞台造型设计本质上都是叙事艺术，其创作逻辑具有共通性。在风格形成方面，他提出了一个需要辩证思考的观点：个人风格既是创作者的身份标识，也可能成为制约创新的框架。相对于独立艺术家，电影造型设计更需要将个人表达服从于作品的综合的、整体的叙事需求。

针对全球化背景下的创作环境，他认为当代创作者既需要保持文化自觉，又要具备开放包容的跨文化理解能力。通过分享自己造型设计“出圈”的经历，他阐述了在保持艺术个性的同时与时代审美对话的重要性。同时他提出设计师需要具备“双重认知”：既要坚持个人的美学追求，又要敏锐捕捉集体审美趋势。这种在个性表达与大众接受度之间寻找平衡点的能力，正是当代艺术创作者面临的核心课题。

陈敏正

中国广播联合会影视造型委员会会长、中国电影美术学会化妆专业委员会主任

陈敏正结合丰沛的设计经验，阐述了自己的创作方法论。设计师在实际工作中常常需要面对截然不同的项目需求，从宏大的奥运会开幕式到严谨的国安题材影视剧，每个作品都有独特的创作要求。他以电视剧《武媚娘传奇》的服装设计为例，指出了避免模式化创作的重要性：在该剧成功后，市场曾出现简单的仿制现象，但他强调优秀的设计必须根植于作品本身的主题与导演构思进行针对性创作，而非盲目跟风复制。

通过分享与郑晓龙导演在电视剧《甄嬛传》等作品中的长期合作，进一步阐释了真正有价值的创作源于从作品核心思想出发的深度探索。设计师需要在深刻理解导演意图的基础上进行创造性发挥，经过多种探索最终找到独特的表现形式。这一过程既要求把握作品的整体风格定位，又需要通过服装的材质、色彩等具体视觉元素，精准塑造出不可替代的艺术质感。

阳东霖

中国歌剧舞剧院首席服装设计师、中华服饰研究会理事会员

阳东霖围绕“守正创新”这一议题题，结合自身从学生到设计师的成长经历，阐述了艺术创作的实践路径。他指出创新与传统并非对立关系，而是动态平衡的过程，需要根据剧目类型和导演诉求灵活调整侧重。在他看来，真正的创新不是天马行空的形式堆砌，而是建立在扎实传统根基上的创造性转化，这需要长期的经验积累和勇于突破的创作思维。

通过观察学生作品竞赛，他发现许多设计陷入过度装饰的误区，并强调“做减法”比“做加法”更能体现创作功力。他建议年轻设计师珍惜每个实践机会，将课堂作业和小作品都视为积累创作经验的重要阶梯。特别提醒要警惕陷入创作舒适区，应保持鲜活的创造力，通过在不同作品中尝试新材料、新手法等具体挑战，逐步形成个人独特的艺术语言。

夏晓春

北京电影学院美术学院电影人物造型教研室主任，中国电影美术学会理事

夏晓春从艺术教育的角度探讨了人工智能带来的根本性挑战。他指出当前AI技术虽处于起步阶段，但其基于海量数据与算法优化的学习能力，未来可能对人物造型等创作领域产生颠覆性影响。与工业革命替代体力劳动类似，AI正在延伸至人类智慧领域，这种技术发展具有历史必然性。

面对这种趋势，他提出艺术教育的应对策略应聚焦于强化AI难以替代的人类特质：一是培养独立思辨能力，通过对剧本的深度解读和人文关怀，建立对人性与社会的独特理解；二是提升创新思维，要求创作必须超越经验范畴，实现真正的原创性突破。他特别强调，艺术创作者需要深化对“人”的认知，这种基于生命体验的共情能力是人工智能无法复制的核心优势。

孙雪飞

北京服装学院教授

孙雪飞在论坛中以北京服装学院戏剧影视专业为例，探讨了特色专业在传统院校中的定位价值与人工智能时代的教学应对策略。她指出虽然该专业在服装产业导向的北京服装学院中并非处于主流地位，但恰恰这种跨界特性形成了独特优势，此专业的学生能够突破产业思维束缚，开展更具想象力的创作实践。

面对AI技术的冲击，她通过亲身实验发现，虽然AI学习速度惊人，但其输出质量完全取决于使用者的审美素养。她以具体案例说明，不同设计师使用相同AI工具会产出截然不同的结果，证明真正的核心竞争力仍在于人的审美判断。因此她提出教育应重点加强两方面的培养：一是深化对中国传统美学的理解，通过系统学习建立高级审美认知体系；二是构建跨学科知识网络，涵盖天文、考古、文字学等多领域，形成AI无法企及的综合判断力。

彭丁煌

中国戏曲学院教授、硕士生导师

彭丁煌从教学与创作的丰富经验出发，围绕艺术工作者的职业心态与人生价值发表了深刻见解。面对人工智能带来的普遍焦虑，她以智能手机的发展历程类比，提出技术本质是服务生活的工具。她特别强调人类情感体验的不可替代性，并以设计话剧《张居正》的舞台服装时从地宫体验中凝练出“阴森”质感为例，指出真正的创作源于沉静的身体感知，这是技术无法替代的“人的温度”。同时，通过对比当下过度生产的文旅产品与安静传承的非遗技艺，她揭示了艺术创作中“慢”与“静”的价值。

对于年轻学子的职业发展，她提出超越功利价值的成长观：人生的意义不在于外在成就高低，而在于对生命体验的深度感知。她以云南手工艺人的生活状态为例，说明幸福源于对日常美的捕捉能力。她认为艺术工作者应保持真诚善良的本心，在有限生命中实现自我价值与资源利用的平衡。

刘红曼

中央戏剧学院舞台美术系教授、硕士生导师

刘红曼结合三十余年的教学与实践经验，分享了自己关于戏剧人才培养的深刻思考。她指出随着时代发展，行业需求和技术环境发生了显著变化，当前学生普遍面临着就业压力与未来发展的不确定性。针对这一现状，她提出戏剧人才需要具备三项核心素质：首先是专业定力，即排除干扰、专注学习的能力，强调珍惜校园时光的非功利性学习态度；其次是执着信念，认为这是支撑学生完成学业并持续成长的内在动力；最后是开放心态，鼓励以包容姿态面对新技术与多元理念。

她特别谈到戏剧教育的价值不仅在于培养专业戏剧人，更在于通过艺术滋养塑造完整人格。她以自身从懵懂入行到建立行业敬畏心的经历为例，说明戏剧学习对人生成长的深远影响。在技术快速迭代的背景下，她建议师生共同保持学习状态，将专业训练与人格培养相结合，使戏剧教育成为应对时代变革的重要支撑。

孙晓红

戏剧影视舞台人物造型设计师，中央戏剧学院舞台美术系教授、博士生导师

通过结合自身教学与创作实践，孙晓红在发言中分享了关于艺术人才培养的思考。她坦言每次创作初期都会经历焦虑与压力，正是在这种紧张状态中才能激发真正的创作思考。基于这一体验，她提出艺术教育的核心在于培养学生的艺术感受力，而非单纯技术训练。

在教学实践中，她特别强调两点：一是要引导学生广泛涉猎绘画、音乐等各种艺术门类，有意识地拓宽艺术视野，通过跨领域滋养提升综合审美素养。这些看似不直接相关的审美积累，终将在未来创作中显现巨大价值；二是要培养创作者享受孤独的能力，在信息过载的时代保持内心宁静，为创造性思维留出空间。她认为，真正的艺术创作需要个性表达，这就要求创作者能够抵御随波逐流的诱惑。

9月24日，“舞台灯光·演艺影像·声音设计的创作实践与教学探索”专场研讨会在中央戏剧学院伸出式剧场举行。会议由中央戏剧学院舞台美术系灯光设计专业副教授曲明主持，汇聚了来自灯光、声音与影像三个专业的专家与学者，就“跨媒介感知技术”“美学显像”与“影像教学探索”等议题展开了热烈探讨。

曲明

中央戏剧学院舞台美术系灯光设计专业副教授

作为本次论坛的学术主持，曲明指出“生发性”对于舞台艺术创作与教学实践具有非常重要的意义。当代艺术的发展趋势体现为边界的融合与多元的共生，舞台灯光、声音和影像早已突破戏剧与舞台的局限，广泛交融营造出更为多元的艺术语境。未来相关领域的探索，既应扎根专业，又保持开放姿态，从而为行业发展与教育教学提供有益的启发。通过他多维度的问题引导，在场多个专业领域的专家学者们分别从自身的专业实践与教学经验出发进行了热烈深入的交流分享。

骆駪駪

北京电影学院智能影像工程学院副教授、中国电影电视技术学会先进影像专委会秘书长

骆駪駪分享了近期参加威尼斯电影节沉浸影像单元中一场由英国舞蹈艺术家创作的大空间沉浸式演出尤为震撼：观众佩戴VR设备，置身虚拟与现实交织的环境中，与舞蹈、乐队、灯光和场景多维互动，呈现出独特的美学效果。

他认为未来演艺形式将更趋综合，既依赖数字技术带来的沉浸感，也需要物理空间与艺术温度的支撑，以在娱乐性和艺术性之间取得平衡。他强调了生成式人工智能对戏剧影视行业的巨大冲击，尤其在短剧制作的效率与成本上已展现颠覆性力量。

白文国

北京舞蹈学院舞台美术系副主任、教授

白文国指出人工智能与沉浸式影像的快速发展正在深刻影响舞台艺术，舞台美术教学若不能紧跟时代步伐，将面临被淘汰的风险。展望未来，沉浸式影像或将突破介质限制，实现实时互动，与舞台表演深度结合，形成真正综合的艺术表达，这不仅需要舞美与影像工作者的探索，更依赖跨学科的科技支持。

他总结了灯光设计的三个阶段：20世纪70年代在条件有限下仍能创作经典，90年代设备增多但效果趋于碎乱，而近年来灯光运用逐渐理性，每一束光都被赋予语义。他强调通过实践剧目让学生观察设计与导演的交流、感受现场创作逻辑与问题解决方式，从而掌握跨专业协作能力与综合创作思维。

袁京男

中央歌剧院舞美中心主任、中国舞台美术学会灯光专业委员会专家委员

袁京男指出，当下艺术与技术迭代迅速，青年学者在探索未知时更需要勇气与定力。他结合自身经验提出三点体会：一是要保持独立判断，同时以开放视角接纳新事物；二是学会换位思考，在理解他人立场中拓展学术眼界；三是以包容心态应对不确定性，将挑战转化为成长动力。袁京男强调，青年学者只有不断突破固有认知边界，才能在变化的学术与艺术格局中找到属于自己的位置。

韩宏志

中国舞台美术学会音响专业委员会主任、中国舞台美术学会常务理事、顾问委员会专家委员

韩宏志回顾了我国音响技术教育曾长期存在的空白与局限，强调中央戏剧学院推动音响教育走向专业化、系统化的重要意义。学生的培养不应仅停留在设备操作层面，更要理解声音的艺术性与表现力，使技术真正服务于戏剧创作和导演意图。

结合沉浸式与多声道环绕音响的实践，他强调高水平的声音设计能够显著影响观众体验，实现艺术表达与感官感受的统一。他建议将学生更多引入实际演出场景，以实践带动学习和问题解决，并提醒年轻创作者要主动感知与反思，避免依赖既有经验或身份优势。在不断的实践与能力提升中，声音设计才能在舞台艺术创作中展现决定性作用。

王宇钢

中央戏剧学院舞台美术系教授、博士生导师

王宇钢指出，音响与灯光在舞台艺术中密不可分，优质的声光布置不仅能强化氛围，还能精准引导观众的空间感知与情绪体验。沉浸式效果不仅是技术的呈现，更是艺术的表达，唯有通过精细的协作，观众才能获得完整的感官体验。

戏剧学院为多样化实验提供了平台，任何形式都可成为创作的契机，但关键在于独特的创作态度与整体思维。灯光、音响等技术不仅是手段，更是导演思维的延伸，唯有将舞台效果、演员表现与观众体验有机统一，作品方能获得深度与记忆价值。同时他对人工智能的快速发展表达担忧，他呼吁对AI的发展进行规范与反思，以重新审视人类在新时代中的定位与艺术创作的价值。

王继臣

中央军委政治工作部歌剧团舞美（音响）设计、中国舞台美术学会音响专业委员执行委员会委员

杜思亮

中央戏剧学院实践教学中心音响组组长、中央戏剧学院舞台美术系演艺声音设计专业教师、中国高等院校影视学会音乐与声音专业委员会理事

杜思亮指出过去国内音响教育缺乏系统建设，传统方式多依靠师徒经验传授。随着现代技术发展，声音设计已能与灯光、影像等元素协同，营造更丰富的空间感与真实感。未来声音从业者不仅要具备操作技能，更需在观念和审美上不断升级，探索声音在时空与情感表达中的多样化功能，使其与舞台创作及其他技术部门共同完成高水平的呈现。

面对人工智能可能替代部分工作的趋势，他认为设计师应积极学习并善用AI的辅助，发挥独特创造力。低年级要夯实基础，高年级则通过实践积累经验，使技术真正转化为创作能力。强调了产业融合的重要性，通过引入先进设备并与厂商互动推动技术改进，不仅提升学生实践机会，也为专业建设注入活力。

周津羽

北京舞蹈学院舞台美术系教学实践教研室主任，中国照明学会高级照明设计师，中国照明学会舞台电影电视照明专业委员会专家

舞台创作中声音、灯光与影像的融合至关重要。以无人机追光系统为例，说明智能追踪与预判程序如何增强空间感与沉浸感，并呼吁降低高端设备成本，让学生与设计师能够更广泛地使用。沉浸式效果不仅依赖技术，更源于创作理念与实践积累。

针对青年学者，他提出三点建议：一是专注专业技能以保持内驱力；二是通过戏剧实践体会艺术魅力；三是以交流拓展视野。他鼓励学生面对迷茫时专注当下，扎实学习，把握机会。他提醒年轻创作者在有限视野下容易忽略问题，唯有在经验丰富教师的指导和实际项目中不断锤炼，才能持续提升创作能力。

张萌

中央戏剧学院舞台美术系副教授、演艺影像设计教研室主任

张萌分享了影像设计专业的跨媒介实践经验。舞台创作应实现影像、灯光与声音的整体融合，形成声光电一体化的综合效果。她介绍了演艺影像设计专业的课程设置，强调技术与创作相结合能够为学生提供广阔的发展空间。

针对人工智能的应用，AI虽已在影像创作和设计中发挥作用，但目前仍无法完全满足创作者的理想表达，当下影像创作多依赖于传统三维和后期技术的结合。教学应引导学生掌握最新技术，以适应行业发展。她同时提醒创作者在舞台影像实践中要注重整体性，让影像、灯光与表演共同服务于作品。

孔一帆

中国传媒大学戏剧影视学院教师，硕士生导师

孔一帆强调心理学与艺术实践的结合。结合自身经历及歌剧的灯光与舞台设计实践，阐释视觉、听觉与舞台意向的融合对观众情感共鸣的重要性。灯光设计不仅是技术操作，更是导演思维的延伸。他结合教学经验，讨论了跨专业综合能力的重要性，提出在AI和新兴影像技术时代，传统艺术与新技术的结合带来的挑战与思考，并且呼吁艺术教育关注观众审美习惯的变化与创作的深度。

在论坛现场，一位观众围绕人工智能与艺术创作发表了自己的看法。她表示，尽管技术日新月异，声音技术和AI工具层出不穷，但创作仍需再创造，效果不等于艺术结果。艺术的本质是叙事和表达，源于技术的同时又超越技术，文学性和艺术性需要整体理解。呼吁年轻创作者在尊重传统的基础上，勇于探索技术与艺术的融合，发挥自主想象力，为未来艺术发展注入活力。

一位毕业于中央戏剧学院的观众分享了他在涉外舞台项目中的工作经验。他感受到与国内工作流程的差异。国际团队从设计图纸、光源布局到追光控制都有完整系统化流程，实现精准、高效的协作。这种工业化的工作模式不仅保证了作品质量，也带来了创作效率。呼吁国内院校应正视与国际水平的差距，通过产教融合和平台引进先进经验，提升学生实践能力，实现与国际接轨。

张庆山

中国舞台美术学会会长

本次研讨会依托中国舞台美术学会、中央戏剧学院及中国舞台美术教育联盟的权威学术平台，汇聚了来自艺术院团的专家、专业院校的学者、教育工作者、行业企业代表以及相关专业学生，围绕“产教融合与行业发展”这一核心议题，展开了多维度、深层次的交流与探讨。与会嘉宾共同聚焦舞台艺术的未来发展方向，就推动艺术教育与实践的有机融合提出了诸多建设性见解。为期数日的研讨活动有效拓展了学术视野，进一步夯实了艺术教育与实践之间的联结基础。在此，谨向各位与会嘉宾、专家学者以及业界同仁的积极参与和大力支持表示衷心感谢。

展望未来，我们将继续深化“产、学、研”一体化的发展路径，以本次研讨会的成果为重要基础，积极构建更多有利于企业、院校、院团与学生之间互动协作的学术平台。通过促进资源共融、人才共育与成果共享，为中国舞台艺术的高质量、可持续发展注入持续动力，从而推动中国舞台艺术的健康蓬勃发展。