高广健

国家大剧院舞美总监、荣誉艺术家，文旅部优秀专家，中央戏剧学院客座教授、硕士生导师，香港演艺学院荣誉院士，国务院政府特殊津贴专家

作为本场的学术主持，高广健在论坛开始时指出，本次讨论将围绕当代舞台美术的创作理念及方法展开，重点涉及舞台美术的叙事性、空间利用、新技术支撑、风格问题及创作方法等议题，力求做到严谨又不失开放，既深入又有温度的讨论。

其他以与张艺谋导演合作的京剧《天下归心》创作过程为引，阐述了自己的舞美创作理念及方法。从1997年的歌剧《图兰朵》到2025年的新编历史剧《颜真卿》，他分享了多年来在不同作品中将京剧元素与戏剧舞台美术融合发展的脉络与思考。从早期的“借东打西”“借西打东”，再到如今的“借力打力”，他始终在追求运用东方美学中的意象性表达，使传统元素在当代舞台上焕发出新的样貌。

刘科栋

中国舞台美术学会副会长、国家话剧院一级舞美设计、国家大剧院艺术专家委员会委员、中央戏剧学院客座教授

刘科栋探讨了文学作品舞台转化的核心命题：如何为经典文本注入当代剧场的灵魂。成功的戏剧作品，其转化过程必然构筑一个强大的审美与思辨的能量场。它始于三种特质：视觉的观赏性、思想的深邃性，与灵性的启发性。它成于三种力量：破格的想象力、直击心灵的冲击力、颠覆陈规的破坏力。

当代戏剧创作，应摒弃单向度的“诠释”或“灌输”。理想的观演关系，建立在与观众平等的“对话”与“共振”。当舞台蕴含的能量足以激发观众的想象力，他们便不再是被动的接受者，而是共同的创造者。这种由观演双方共同完成的精神共鸣，正是戏剧艺术最迷人的魅力所在。

以《红玫瑰与白玫瑰》《活动变人形》《一日三秋》《我不是潘金莲》《繁花》第二季等舞台设计作品为例，阐述如何突破小说的限制，戏剧创作转换更应强调剧场性和反向思维，激发观演活力，触达文本深度，赋予经典小说到戏剧的重生。

伊天夫

中国舞台美术学会副会长，上海戏剧学院教授、博士生导师，享受国务院政府特殊津贴

伊天夫围绕创作方法、理论与个人身份转换等主题展开发言。他首先回顾了上世纪八十年代自己接受灯光设计教育的经历，随后探讨了空间叙事的内涵。基于这些内容，他结合作品《嵇康》中“身影”形象的创作，提出舞台美术要参与空间叙述，需找到一种“魂魄的东西”，强调作品应蕴含深层精神内核。

伊天夫总结称，过往的灯光设计经历使他学会了从局部（灯光）到整体（戏剧）的戏剧思维。如今，随着个人身份的转换，他已经开始学习运用整体的戏剧思维理解和创作戏剧。他认为创作本质上是孤独的，但自己始终未曾偏离灯光设计的专业根基。

刘文豪

中国舞台美术学会副会长，享受国务院政府特殊津贴，我国采用高色温灯光录制电视节目及用网络控制灯光的带头人

刘文豪表示，过往的经历会对创作者产生潜移默化的影响。他强调要站在全面的角度去对待舞台美术创作，并以自身早年的音乐经历为例，指出其深刻塑造了他对灯光艺术的理解——光在他看来是如同音乐，是有语言、有节奏的，并进一步指出了光影关系的核心地位：光与影是戏剧视觉语言的核心要素，二者相辅相成，唯有光、影、色三者达到有机平衡才能形成完整的灯光艺术语言。

马路

中国舞台美术学会副会长、河南大学河南戏剧学院舞台美术系主任

在设备技术层面，马路基于长期国际交流合作的实践经验，指出中国演艺灯具与器材在国际行业比较中很多情况下并不逊色。在创作层面，他强调了作为灯光设计，应该认真了解并把握戏剧中的视觉符号，倡导主动创作、协同创新，同时在创作过程中把握好自己的节奏。在科技和理念飞速发展的当下，拥有设备和技术基础之后，舞美人才的培养也十分重要。

谭泽恩

中央戏剧学院舞台美术系副教授

谭泽恩围绕当代艺术与戏剧的创新，通过梳理自身创作思想与布拉格四年展理念互动的脉络，指出当代艺术正在开启新的认知方式，而戏剧的本体也在发生转向。他特别强调，外部语境正作为艺术作品中表演元素中重要的一环，正如空间是突破僵化戏剧样式的核心支撑。在此基础上，其在第比利斯展会的装置创作，正是对此理念的实践与突破，展现了在传统戏剧空间之外对戏剧创作体系的重构与突破。

柳青

戏剧电影美术指导，中央戏剧学院舞美系客座教授，亚洲电影节评委

柳青从电影美术设计的角度切入话题，为传统舞台美术概念提供了极具启发的补充，其结合自身实践经历，阐述了将电影美术的设计方法与戏剧舞台设计融汇的理念，并以《一步之遥》《邪不压在》等作品为例，揭示了戏剧与电影在技术层面的共通性。他通过探索融合戏剧空间的假定性，在电影创作中表现出了独特的叙事性。同时这种对细节真实与符号性表达的追求，为观众提供了更全面的视角。

梁溪清

中国舞台美术学会副会长，中国舞台美术学会广东办事处主任，中央戏剧学院客座教授

梁溪清以正在进行的一部大型历史杂技剧《一指千年》为例，揭开了舞台美术设计背后的历史底蕴。他从文物修复中提取视觉语言，通过戏剧空间“让文物活起来”。通过将建筑与历史文物元素碎片化，利用通透材质与光线营造梦幻感，从而构建出了碎片化、梦境化的舞台空间。借助机械装置实现现实与历史的场景叠加，让历史在当代剧场中焕发出新的美学生命力。

马连庆

中央歌剧院舞美设计，文化部优秀专家评委，文化部高级职称专家评委

马连庆以歌剧《托斯卡》为例，深入剖析了舞台美术如何实现空间叙述与表演设计的融合，提出应从经典文本中提炼核心造型，并将其具象化于剧场物理空间。他以十字架造型为例，通过将其作为贯穿舞台空间的核心装置，充分利用其象征意义与现有的剧场条件，重构了舞台的物理空间，构建出完整视觉逻辑与叙事闭环。

慕峰

中央电视台舞美设计师，中央戏剧学院客座教授，中国舞台美术学会电视美术委员会主任

慕峰以XR戏剧《麦克白》为例，从观念、思想作为切入点，探讨该剧中叙事性的完成，以及戏剧创作一定要有当下的表达。他提出用中国人“空”的思想解读该剧对欲望的探讨，并借助XR数字科技打破传统主题表达，以此传递“每个人都是麦克白”的理念。此外，他强调科技是工具，必须服务于叙事，不能凌驾于戏剧之上，充分展现了舞台美术在科技时代的创新表达与对深层思想传递的探索。

刘科栋

中国舞台美术学会副会长、国家话剧院舞美设计、国家大剧院艺术专家委员会委员、中央戏剧学院客座教授

孙兆伟

中央戏剧学院副教授

孙兆伟结合其跨学科背景指出，艺术创意的落地实现是一个涉及多领域协作的复杂过程，需要充分考虑技术可行性与工程逻辑；他强调有效的沟通协作是平衡艺术效果与技术取舍的关键，当前许多学生在跨专业沟通与合作能力方面尚有不足，因此强调在艺术教育中应特别加强学生综合实践能力与团队协作意识的培养，从而真正实现创意与技术的有效融合，推动作品的高质量呈现。

侯骁芫

中央戏剧学院舞台美术系教师、舞台技术专业讲师、英国皇家威尔士音乐与戏剧学院MA

侯骁芫认为设计、技术与呈现是三位一体的有机整体，舞台创作中无论是AI应用还是创意落地，本质上都属于技术问题的范畴。当前国内对舞台技术领域的关注与投入仍显不足，尤其在专业教育资源配置上存在明显差距，例如美国有九十多所院校设有相关专业，而国内仅有中央戏剧学院等少数院校系统培养舞台技术人才。在此基础上，他提出应强化实践教学在产教融合中的核心作用，借鉴国外院校与院团深度合作的经验，推动学生与院团的合作，在真实演出项目中参与创作与执行，从而有效培养人才的实战能力。

杨君韬

中央戏剧学院舞台美术系舞台设计讲师

杨君韬从舞台设计教学的角度出发，阐述了创作实践与专业教育之间的内在联系。他认为教育应当在创作实践中形成闭环，二者具有同等重要的地位，只是对学生能力的要求侧重点不同。从案头设计到进驻工厂完成制作的完整流程，对理解行业实际运作与执行层面的复杂性具有不可替代的作用。

以担任刘杏林教授助理期间观察到的创作《原野》为例，他特别强调了在实践过程中向前辈学习的重要性，并说明艺术决策的严谨性与深度思考对作品品质的影响。在真实创作环境中培养起来的对行业的敬畏之心，通过持续的行动才能将课堂中获得的美学感悟与人文思考转化为实际成果。

李宇慧

中央戏剧学院舞台美术系舞台造型体现专业教研室主任、副教授

李宇慧介绍分享了中戏造型体现专业的教学实践。该专业高度依赖集体协作，校内演出实践成为连接课堂教学与社会需求的关键环节。参与实践能有效弥补课堂教学上的不足，在真实创作中理解材料特性、空间尺度与团队协作。当代学生虽知识面广，但缺乏对实体空间成果的预判能力，因此教师需扮演引导者角色，帮助学生完成从概念到实物的转化。

针对专业发展前景，她指出造型体现专业已拓展至展览展示、影视广告等多元领域，就业渠道广泛。面对AI技术冲击，她强调实体场景的不可替代性：“世界是物质的，需要具有温度的景的存在”。

刘明昊

中央戏剧学院实践教学中心舞美制作部主任、舞台美术系讲师

刘明昊从教学环境变迁与人才培养的角度，阐述了戏剧教育中实践教学的核心价值。中戏从老校区到新校区的过渡不仅带来了空间变化，更折射出教育生态的转变。面对具有较强自我认知的新生群体，他提出"放下光环、脚踏实地"的教育理念，认为艺术创作需要经历从理论到实践的淬炼过程。

在实践教学层面，中央戏剧学院年产量约40部剧目，这些作品在不同剧场中形成天然的跨专业实践平台，使舞美、服装、灯光、多媒体等专业的学生在真实创作场景中深化专业认知、培养协同创作能力。舞台美术的本质在于将图纸转化为实体空间，这种“动手实现”的专业特性决定了实践环节不可替代的重要性。

廉冰心

法国新索邦——巴黎第三大学戏剧研究系戏剧写作与舞台演出专业博士在读

廉冰心介绍了自己从文学研究到舞台美术，再到国际戏剧教学的经历。从跨文化戏剧研究的视角出发，结合其在法国教学与中国戏曲传播的实践经验，提出了戏剧教育的本质在于空间建构与观看关系的塑造。指出戏剧艺术的根基在于“目光所及之处即舞台”的空间意识。在法国讲授中国戏曲时，她发现突破文化隔阂的关键不在于文本翻译，而在于构建能让国际学生直观感受戏剧张力的视觉空间。

戏剧教育应该打破专业壁垒，培养学生建立空间思维的能力。舞台美术工作者不应局限于技术执行者的角色，而应成为“空间中的视觉引导者”，通过布景、灯光、道具等元素构建观演对话的场域。最后，她以戏剧文学专业背景的切身体验说明，文本只是戏剧历史的阶段性产物，而空间创造才是贯穿戏剧发展永恒的核心要素。

张武

中央戏剧学院舞台美术系副教授，曾就职于中国戏曲学院、中国国家话剧院

张武对舞台美术专业的就业前景与产教融合路径进行了系统分析。将舞美系毕业生出路归纳为六大方向：继续深造、大厂就业、院团就业、自主创业、跨界发展及阶段性调整。谈到最近热议的AI冲击，他强调舞台美术最核心的价值在于“把图纸变成现实”的能力，这是AI暂时替代不了的。

他把学校的实践教学分成四个层次：最基础的是课堂作业，往上是校内剧目实践，再往外是参加设计比赛和论坛，最高层次是参与真实的商业演出。他指出当前教学改革面临制度性滞后，课程设置的调整周期往往需要三至五年，难以即时响应行业技术变革。因此，他建议学生主动利用互联网平台拓展实践机会，以此弥补教学与实践之间的时空差距。

李杨

中国国家话剧院舞美设计

李杨分享了关于专业成长与行业适应的深刻体会。他指出舞台美术教育正在经历从传统手工模型到数字三维呈现的技术转型，现阶段教育体系中对数字技术的系统化训练仍需加强。通过参与国际音乐剧、主题乐园秀场等多元项目，他体会到舞台美术的实践边界正在不断扩展，这种跨界的职业经历使其认识到保持专业弹性的重要性。

基于班级就业情况的实证观察，他提出当代设计师需要具备两种关键素质：一是开放性的职业观念，二是持续学习的好奇心，面对AI技术快速迭代与信息爆炸的行业环境，设计师需要不断更新自己的知识储备。同时他指出，在风格趋同的创作语境中，保持个人艺术语言的独特性需要更强的专业定力。

王琛

中国国家话剧院舞美设计

王琛结合其25年从业经历，分享了从舞台美术创作者到教育者的职业感悟。他回顾了参与《金沙》音乐剧制作的经历，指出沉浸式的、直觉性的创作过程对专业成长的重要价值。通过反思求学时期对某些知识重视不足的遗憾，他强调了系统化学习的深远意义。 

作为经历过自主创业和院团工作的设计师，王琛提出“增加人生密度”的成长理念，建议通过持续创作与深度思考来提升专业素养。他认为人工智能在当下其实就是一个生产工具，设计师更重要的是时刻保持着直觉的敏感。直觉虽然有时是懵懂的，但它是与生俱来的，是创作的基础，是审美的基础，同时又是可以被不断训练的核心能力。提升审美和专业技能的成长是一个不断探索的过程，需要在实际创作中逐步明确方向。

王琦

中国国家话剧院灯光设计、中央戏剧学院客座教授、中国舞台美术学会灯光专业委员会专家委员

王琦通过对比不同时期剧场技术设备的变迁，阐述了艺术创作中实践精神的核心价值。他回忆起求学时期使用幻灯机、手工绘制变形格、追光训练等传统技术手段的经历，指出虽然当代剧场已普遍采用电脑灯等先进设备，但亲手实践获得的直观体验对专业认知的形成具有不可替代的作用。技术手段革新虽然改变了工作方式，但创作的基本规律并未改变，要深刻理解光位、色彩、节奏等舞台视觉元素的本质特性。

面对AI技术发展带来的讨论，王琦认为技术工具无法复现创作者在实践过程中获得的成长体验与情感投射。建议年轻从业者既要保持对新技术的好奇心，更要注重通过动手实践积累专业经验，通过跨领域阅读提升综合素养。

荣志晓

国家大剧院舞台技术部副部长、执行舞台技术总监

荣志晓指出当前舞台技术应用面临两大核心问题：一是部分剧场机械设备使用不充足的问题，原因包括存在设计缺陷、安装工艺不符合要求、维护管理不到位，以及技术人员专业能力存在一定不足等，建议开展全国性调研以探索解决方法；二是新技术应用需辩证看待，既要掌握其优势更要明晰安全边界。 

在人才培养方面，他提出应建立分层分类的教育体系：艺术院校侧重创意人才培养，职业院校强化技术实操训练。用人单位最看重的是学生的实践转化能力，即能否将理论知识快速应用于实际工作场景。此外，他特别强调基层技术队伍建设的迫切性，要建立舞台技术人员的职业培养标准，从根本上提升行业整体技术水平。

张祚铭

中国东方演艺集团一级舞美设计、东方青绿山水（北京）文化艺术有限公司总经理、设计总监

张祚明认为舞台美术的核心在于实践经验的积累，而产教融合实质上是教育、产业与技术三要素的有机统一。教育是根基，产业需求是导向，技术实现是支撑，三者共同构成完整的创作生态。通过实际案例，他说明舞台设计需要考虑剧场条件、设备参数等具体技术。若脱离实际场地条件进行创作，不仅会影响艺术的呈现，还可能造成资源和成本的浪费。

在数字化技术快速发展的时代，手绘能力仍然是舞台美术工作者不可或缺的核心素养。最能体现创作者的情感与个性，是任何技术手段都无法替代的。他提出“百战归来再读书”的育人理念，认为实践积累与理论学习应形成良性循环，通过不断更新知识体系来应对行业发展的新挑战。

徐上

中国戏曲学院舞台美术系舞台设计教研室讲师

徐上从当前艺术院校学生普遍存在的心理适应问题切入，提出专业选择前的认知准备对学习成效具有重要影响。许多学生在入学前对戏剧专业缺乏充分了解，容易产生理想与现实的落差，这种认知偏差需要通过有效的教育引导加以调适。

面对AI技术带来的行业变革，他认为舞台美术教育需要把握“变与不变”的辩证关系。虽然技术载体不断更新，但中国传统美学中的写意精神与自然观始终是创作的核心根基。应引导学生通过绘画、建筑、戏曲等多种途径，深入理解传统文化精髓，以此构建应对技术变革的稳定价值坐标。