每个女孩子都有一个公主梦，
穿上华丽的裙摆，戴上精致的皇冠，
那些梦幻的服饰呀，
简直就是进入童话的魔法棒！

而相较于影视剧或做梦[擠眼]，
剧场里的舞美让人感觉更近更真实，
今天我们就来说说【戏剧舞台服饰】。
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服饰被称为流动的雕塑，
雕塑又被喻为凝固的音乐。

戏剧舞台服装有别于生活服装，「 服装」是表演艺术不可缺少的一部分，一方面角色需要通过服饰来表现阐释角色的身份，辅助表现人物特征、心理，另一方面观众欣赏戏剧的时候，看到精美的舞台服装也很赏心悦目。

它是解释作品，表现人物，体现演出风格必不可少的元素。不同的材质，色彩…带有不同的象征意味。 

♦古希腊时期，演员穿着各色袍子，头戴面具，穿高底靴夸大演员身形，便于远距离的观众辨认。

♦中世纪后期，演员的服装变得非常华丽，幻想式和象征性的运用被普遍运用。以英国为代表，戏服普遍向生活服饰，宫廷化靠拢，用华美的服饰来吸引观众，补充舞台表现薄弱之处。

♦文艺复兴时期，戏剧法则既通常所说的新古典主义理念（neoclassical ideals）,它在近200年里支配欧洲大部分地区的戏剧理论。新古典主义的重要概念就是逼真，规定戏剧应该有固定的情景和人物。

在这一理念影响下，此时意大利假面戏剧对不同角色的服饰和面具都有明确的标准和要求，观众一眼就能辨识出角色的性别，年龄，性格等。类似于中国戏曲中脸谱的不同寓意。

♦18、19世纪间，现实主义理念主导西方戏剧，欧美普遍以历史真实事件为指导原则的戏剧演出，要求每件服装设计精益求精，符合时代的特色，强调历史真实性。这一理念普遍影响了整个欧美戏剧服装发展，影响一直渗透到今天。

♦20世纪的后现代主义设计风格影响下，创作空间更开阔，舞台服装更强调戏剧性以及更多可能性。

在一场演出中，
演员在幕间更换服装，
除了表现场景的转换，
也体现着角色心路历程的转变。

舞台服装发展历程体现了不同时代阐释戏剧的美学观点，以及当时的社会背景。

舞台服装的设计并不是天马行空，这一切都必须基于对剧本，角色，时代背景不断揣摩分析，准确把握的基础上，再通过服饰语言阐述出来。

这一切都不是独立创作，设计团队必须熟知舞台视觉表现手法，与灯光舞美以及剧本很好地配合，在不同灯光色彩的交织下产生出无与伦比的舞台效果。